En un futuro no muy lejano...

¿Cómo es realmente Joaquin Phoenix en esta película? Se nos presenta como una persona que acaba de salir de una relación, la cual marca un antes y un después en su vida. En ningún momento del filme se nos expone, pero podemos suponer con certeza, que ha sido la única relación que ha tenido. Es entonces cuando se nos presenta un Sistema Operativo, llamado Samantha. En él, Theodore encuentra aspectos de una persona que nunca había experimentado. Joaquin es dependiente, necesita constantemente algo de amor de las personas que le rodean. Nos damos cuenta de ello en cómo, y en cuanto tiempo, la relación entre Samantha y Theodore se desarrolla. Lo que necesita nuestro personaje realmente es cariño, tener una dosis diaria de esas caricias que él mismo describe en una de las escenas.

La relación Samantha-Theodore hace que este último aprecie todo lo que le rodea. No sabemos nada de la anterior relación entre Rooney Mara y él, pero por uno de los flashback durante la comida, podemos suponer que fue especial. Con ese giro de guión al final, apreciamos el amor, la dependencia que Theodore tiene hacia Rooney. Samantha es descrita como lo que es: una máquina. No hay que pasar por alto, que a pesar de que esta sea serie de programas y de comandos, ella expresa sentimientos. Es más, los desarrolla: el miedo al no tener presente a Theodore y el amor, que cada noche siente al acostarse este.

El final es pura filosofía Mr. Wonderful y algo de cliché, pero creo que la película es algo más que una historia de amor. Es el futuro con el que tendrá que lidiar la sociedad al encontrarse con máquinas intelectualmente superiores a nosotros.

Parasite. Huele bien para estatuilla.

" Parasite " es la nueva película de Bon Joon-Ho, realizador de películas de prestigio como "Mother" "Crónicas de un asesino en serie", "Okja", o "Rompenieves". Con "Parasite" esta logrando alcanzar el reconocimiento de crítica y público. ¿ Es merecido ?, Pues si.

Película ardua de descifrar que mas allá de esa denuncia de clases sociales, conlleva otros parámetros mas complejos y enriquecedores. Ésta es mi visión particular:

¿Qué es un parásito? Organismo que se alimenta de las sustancias que elabora un ser vivo de otra especie, viviendo en su interior o sobre su superficie, con lo que suele causarle algún daño o enfermedad.

¿Y quién es el verdadero parásito? ¿el sobrevivir día a día, hasta cuanto puede afectar a la moral y dignidad de la persona? Tras estas dos preguntas ya podemos hablar de lucha de clases sociales.


Por una parte la familia de clase baja, se sitúa como parásito de la familia rica, y aquella en alarde de los delirios de grandeza ya empieza a soñar.
La familia rica da trabajo a la familia pobre. Lo que al principio nos parece algo ingenuo poco a poco nos va dando datos de la verdadera supremacía que cree tener la familia , simplemente por el hecho de tener un status económico superior y no por su talento, talento que no es superior a la familia humilde. Una forma de denunciar el director la falta de empleo y talento en su país.

Pero en realidad todos son parásitos, la familia rica se aprovecha de su situación para recordarnos que ellos son los que mandan, que si nos dan algo, es limosna, nos quieren para ellos en cuerpo y alma, llegando a poner el limite en la dignidad, en la identidad como personas. Pero en este caso se da el caso que todo tiene su limite y la dignidad también y aquí nuestro protagonista sin pensar en las consecuencias, de manera ingenua realizara un acto el cual lo llevara a su perdición social pero no su moral. Actitud cuando uno se siente herido en el orgullo y oprimido.
La familia rica nunca se vería en tal situación, y si lo estuviera, lo hubiera arreglado mirando las consecuencias.
Como parásitos, el daño que hace la familia pobre solo sera a nivel económico, es decir para la familia rica carece de importancia a excepción de que se de con personas que se sienten heridas en el orgullo y oprimidas. Como parásitos, la familia rica el daño que hace es recordad en este juego quién es quién.
Importante el giro de guion, a mediados de película el cual nos lleva dos cosas:
1. Hay que andar unido si se quiere progresar.
2.El limite que nos  imponemos a nuestra conciencia cuando nuestra miseria y supervivencia  esta en juego.

Fabuloso guion que no me extrañaría que estuviera nominado a los Oscar.

Disfrútala y saca tus propias conclusiones.

p.d: Nuestra olor es nuestra esencia, ,es lo que somos, es lo que hacemos.

El globo "Marianne".

La serie francesa "Marianne" fue lanzada por Netflix en el mes de septiembre. Rápidamente captó mi atención, pues al buscarla, la mayoría de críticas eran positivas.

Todo comienza con una firma de libros. Una novelista recibe la visita de una antigua amiga. Esta le comenta, que todos los libros que ha escrito, han afectado directamente a su familia, en concreto, a su madre, quien dice ser la antagonista de sus novelas. Esta antagonista no es ni más ni menos que "Marianne", una anciana cuya maldad se aprecia en los primeros episodios. La protagonista decide ir al pueblo para investigar sobre el caso y tratar de acabar con lo que ésta sucediendo.

Cuando esta llega se aprecia que no es bienvenida, que algo va mal con ella y su pasado. Así, se ve en el profeta y en sus amigos.

Una de las principales características por las que la serie me "atrapó" fue ese terror. Ese terror de sangre, de primeros planos, de primerísimos planos, donde la sangre y las expresiones faciales de Marianne transmitían algo más que miedo. Todo se transforma en screamers sin sentido entre escena y escena, al igual que el desarrollo de los personajes.

Esto último pierde un poco la gracia a partir (SPOILER) de la salida de "Marianne" del cuerpo de la ancina. Al menos, pierde esa esencia, esa actuación, ese simbolismo.

Esta serie me recuerda a Slasher. Los primeros son como el título dice: slasher puro y duro, con el asesino y las muertes siendo realmente atractivas. Pero es como "Marianne", un globo, que a medida que pasa el tiempo se va desinflando, hasta caer y desaparecer en el olvido.

Crítica a "Amour"

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Un día, Anne (Emmannuele Riva) sufre un infarto que hace que un costado de su cuerpo quede totalmente paralizado. Es así, de esta forma tan crudo y dura, cómo Michael Haneke se adentra en su película más intimista.

Quién le diría a Haneke, que tras la publicación de "Funny Games" o "La cinta blanca", haría un largometraje acerca del amor. Porque esta pareja lleva al extremo la frase típica dicha por un cura el día de una boda: "En la salud y en la enfermedad."

Haneke nos narra a la perfección las etapas de la vida y lo importante que son éstas. Desde la escena del álbum de fotos y esa expresión en la cara de Anne hasta el final, con la muerte de ésta. Sin pasar por alto la conversación entre ambos, con esa frase de Anne: "No tiene sentido seguir, ni por ti, ni por mí". Y esa impotencia de Georges. ¡Escena que te pone los pelos como escarpias!

Destacar ese final abierto, típico del cine de Haneke, con esa paloma. ¿Qué quiere decir? ¿La libertad de ambos al morir? ¿La representación de Anne?

Respecto a la actuación, es única. Tanto de Anne (Emmannuele Riva) como de Georges (Jean-Louis Trintignant). Señalar la de él, que a pesar de estar pasando por una etapa dura en su vida, decidió aceptar el papel e interpretar la vida Georges con ese coraje.

La película es lenta. El encanto y el carácter de estos ancianos hace que no quites la mirada de la pantalla y estés atento en todo momento.

Para concluir, me gustaría adjuntar la escena de la que he hablado anteriormente de los álbumes de fotos. Como dice Anne:
"Es bonita la vida. Tan larga..."

Escena de los álbumes

Crítica a "Pokémon: Detective Pikachu"

La película comienza con la misteriosa desaparición de Harry Goodman, un detective privado. Su hijo, con la ayuda de Detective Pikachu, realizarán una investigación con el fin de saber dónde se encuentra el padre del protagonista.

En sí, la película es sencilla. Trama para que la entienda todo tipo de público. Y es que, a pesar de que los espectadores se empeñasen en que esta sería una entrega destinada a esos fans de los videojuegos, se han encontrado con una película que no tiene nada que ver con estos. Así, es clasificada como una película "palomitera", pues juntan dos de los puntos más fuertes del cine para hacer dinero: un topic "trending", que en este caso son los Pokémon; y el público al que va destinada: infantil. Debido a esto, la película goza de aspectos que la hacen destacar sobre otras adaptaciones de videojuegos: el personaje cómico de Pikachu; el CGI utilizado (siendo desde mi punto de vista lo mejor); y los constantes gags/bromas y referencias a la serie original.

Tras visualizarla, hice el ritual que siempre hago: abrir internet y buscar críticas para saber diferentes puntos de vista. Y me topé con varias que hacían referencia a la crítica que se había hecho respecto a la sencillez del guión, tachando que no se podía hacer debido al público al que va dirigido. Pero, espera un momento. "E.T. El extraterrestre" o "Los goonies" fueron largometrajes que marcaron un antes y un después a esa juventud de los años 80, con guiones que eran ricos en entretenimiento, originalidad y humor.

¿Detective Pikachu? ¿Eres fanático? Adelante, lo vas a pasar muy bien viendo cómo están diseñados los Pokémon, las peleas o los efectos especiales como los ataques de Charizard.

Crítica Vengadores: Endgame

Si eres un fanático te va a gustar, y si no lo eres, va a ser una película más de superhéroes.

La película es entretenida y no resulta pesada teniendo en cuenta su excesivo metraje, casi tres horas; consigue tener buen ritmo. Si hay una cosa que destacar en este cierre del universo Marvel a unos diez años de mundos de superhéroes es su tono dramático, lo que para mí es un acierto. Estamos un poco hartos de batallas donde se demuestra los poderes de los susodichos y han preferido relegar la acción, los superhéroes se quitan los trajes y se nos muestran más que nunca como personas; ese es el epicentro y no sus poderes.

La relación entre ellos, sus familias y sus deseos como personas es lo que nos tiene atentos, y es lo que va a desencadenar el final de los personajes. Han hilado bien. Todo esto lo podrás percibir si has visto todas las pelis y las has recordado durante estos últimos años (cosa que solo los seguidores saben hacer). Más de uno ha salido del cine con los ojos vidriosos o con alguna lagrimilla.

Otro acierto es dar un homenaje a los fans. ¿Cómo? Pues en el guión, para recuperar las gemas, las han situado cada una de ellas en las distintas películas que forman el mundo Marvel. También quiero destacar el cambio de registro de Thor, que consigue el contrapunto cómico. 

Sin embargo, la película aisladamente pierde con respecto a su antecesora, y es que Vengadores: Infinity War había elevado bastante el nivel cinematográfico. Ese Thanos que tanto nos había gustado, ahora parece mas terrenal, no parece tan "malote". Y lo que era la batalla de cada gema, cómo se perdía cada una de ellas, cómo se iba perdiendo la esperanza y ese chasquido de dedos del final que produce la hecatombe. Genial. Me quedo con las dos escenas finales de la de la Viuda Negra e Iron Man.

¿Y los saltos en el tiempo? Los obviamos, sabemos que son incoherentes. Pero qué coño, estamos ante una película de ficción.

Quería hacer una ultima reflexión, y es que estoy hasta el "liverpool" de superhéroes. 

En estos últimos tiempos nos estamos viendo superados por muchas pelis y series de este tipo, la industria cinematográfica encuentra de filón, la gallina de los huevos de oro y lo explota a saciar, y solo importa el ¡dinero, dinero!

Antes cuando uno quería alejarse de los algoritmos de la realidad, buceaba y encontraba que podía ir a la Tierra Media, hablar con elfos, encontrarse en la aventura de encontrar un anillo, podía sumergirse y hacer 20.000 leguas de viaje submarino. Podías ir a Hogwarts a aprender magia o quizás viajar a través del espacio para conquistar planetas y pelearte con aliens. Hoy en día parece que la fantasía y el ingenio solo reside en las películas de superhéroes. Dónde está la capacidad para inventar para evadirnos, acaso los niños solo pueden soñar con ser superhéroes.

"E.T." del siglo XXI; "Super 8".

La película de J.J. Abrams "Super 8", data a mediados del siglo XX. Joe Lamb, acaba de perder a su madre debido a un accidente, y vive con su padre, cuya profesión es policía. Meses después, Joe junto a sus amigos ruedan una película. En una de estas escenas, estos contemplan como una camioneta se estrella contra un tren de mercancías, provocando así un gran accidente. A partir de aquí, cosas extrañas ocurren en el pueblo donde viven los muchachos.

Al mismo tiempo que estaba visualizando el film, me daba cuenta de la gran influencia de películas de los ochenta en esta. La relación entre los niños y la aventura parece que es propia de "Los Goonies". Igual, ese entraño bicho, que apenas aparece en la cinta, da unos aires a el alien de "E.T.: El extraterrestre", cuyo propósito es el mismo: abandonar la tierra.

La forma que los niños graban la película, con esa fantasía, alegría e ilusión. ¿No recuerda a cada una de las personas que soñamos con hacer una película?

Aunque el número de críticas negativas fue elevado debido a sus vacíos de guión, creo que es una película que merece ser vista para simplemente disfrutar, esa relación que tienen, que llegan a rememorar esos momentos en la infancia de todos.

Respecto al guión es cuanto menos sencillo, pero llega al visualizador. Desde mi humilde punto de vista, pienso que esos vacíos de guión son lo que le da la magia a este tipo de películas.

Las interpretaciones son espectaculares. A pesar de ser una persona que se fija mucho en ello, y en cada película que ve, siempre ve un destello de alguien, creo que Elle Fanning hace un papel de 10.  Las conversaciones que tiene con Joe, son de esas que al escenario al que están dirigidas, hacen pensar. Respecto al futuro de la actriz, en el verano de 2019, se estrenará "Teen Spirit". En este film hace el papel de Violent, una chica cuyo objetivo es convertirse en estrella pop.

En definitiva, hace treinta años fue "E.T.: El extraterrestre" la película que mostró el mundo audiovisual a esos niños nacidos en los años 80, hoy, toca ver "Super 8", una ráfaga de aire fresco para el público infantil.

Clint Eastwood, "La Mula" que te parió.

Clint nos gustas delante y detrás de las cámaras, te admiramos y te queremos, pero por ser quién eres no vamos a ocultar nuestro descontento; y para más inri, desde hace más de 10 años. Por mucho Clint que seas no te libra de las malas críticas.

En "La Mula", Earl Stone (Clint Eastwood) un octogenario que se dedica al cultivo de flores, tras malos tiempos, y una ejecución hipotecaria, se le ofrece ser mula, es decir, transportar droga de un sitio a otro. Está basada en hechos reales.

La película se centra sobre todo en la peculiar personalidad de este hombre que prefiere emplear su tiempo en cultivar flores que dedicárselo a su familia. Incide en su forma despreocupada y juvenil de ir por la vida. Tiene buena narración y buen ritmo pero carece de fondo, no tiene profundidad, es una película insustancial. Nos habla sobre la redención pero sin exponer causas ni sufrimientos del protagonista. Si la conclusión que quieres llegar es que lo importante es la familia, ésta no es la historia adecuada para desarrollar tales argumentos. Esta película sin Clint, hubiera pasado desapercibida por el público.

En estos últimos años el nivel de sus películas ha bajado notablemente; las podríamos calificar de films de sobremesa. Lejos quedan sus títulos emblemáticos, lo mejor han sido la adaptación de novelas, él nunca ha escrito un guión:

Infiernos de cobardes.1973.

El jinete pálido.1985.

El sargento de hierro.1986.

Bird. 1988.

Sin perdón. 1992.

Un mundo perfecto.1993.

Los Puentes de Madison. 1995.

Mystic River. 2003.

Million dollar baby. 2004.

Clint Eastwood tiene 88 años y se dice que podría ser su última pelicular como director. Su cine desde sus comienzos hasta "Mula , es simplista, sin máscaras, sabe lo que quiere narrar y lo hace de forma directa. Ese es su estilo, una interiorización de sus personajes en pos de una moralidad, redención, misericordia, la definición y lucha entre el bien y el mal, en definitiva ver el purgatorio de sus personajes y el por qué de las decisiones que se adoptan. Su cine es reflexión.

Si me dan a elegir entre  Eastwood como actor o director, no sabría contestar. Su fama  de actor se la ganado interpretando a personajes rudos, con mal carácter,; todos conocemos sus expresiones, sus muecas, su mirada penetrante, un repertorio que dicen mucho sin hablar, la verdad es que se ha encasillado bastante. Sin embargo como director nos ha dejado diferentes temáticas y con diferentes profundidades, si bien le ha faltado un estilo personalizado, ha sabido transmitir historias que han llegado al corazón de muchos y ganarse así su respeto de la crítica y el público.

Crítica de "Custodia compartida " (Jusgu á la garde)

Xabier Legrand en su debut como director nos ofrece una opera prima talentosa, tanto en el fondo como en la forma. No quería desperdiciar el foro y hacer una critica a una de las mejores películas del año pasado. Una de esas pequeñas joyas que pasan desapercibidas.

La historia comienza en el momento que una jueza debe pronunciarse ante un matrimonio sobre la custodia compartida de sus dos hijos.

Con un inteligente guion el director empieza a jugar con nosotros sobre quien de los padres es el bueno y el malo, no nos da información, tan solo va narrando y somos nosotros los que tenemos que decidir a quien creer. Pero no lo sabemos, tenemos dudas y solo se resuelven cuando el director cree que es el momento preciso para pasar al siguiente acto. Crea conseguir un continuo suspense.

Y ahora que sabemos quien es el malo, nos vuelve a manipular para volvernos hacer dudar: escena cuando el padre llora en el nuevo piso.

Toda la película esta dirigida a su final impactante, una secuencia de 15 minutos; imperdible.
¡Esto es cine¡.
Como el director es capaz de mezclar suspense,  tensión y miedo y como hace que nosotros nos sintamos víctimas.

Al buen guión  hay que sumar la estupenda interpretación coral de sus protagonistas principales.

Utiliza los recursos del lenguaje cinematográfico para que la historia consiga expresarse en si misma, sin necesidad de artilugios ni metáforas. Le sale a la perfección el juego de dialogo, no dialogo,miradas, cámaras en primer plano,cámara fija.

No creo que puedas ver otra película de esta temática sin compararla con esta excepcional opera prima.

Crítica de "Cafarnaúm" (Capharnaüm)

La actriz y directora Nadine Labaki después de cosechar buenas criticas con su película "Caramel", nos sorprende con su polémica "Cafarnaúm". La historia comienza cuando un niño  llamado Zain, hace ante el juez una denuncia un tanto especial. Los denunciados son sus padres.

Se desarrolla en dos tiempos: el presente, que es el juicio en sí y en el pasado, donde se desarrolla prácticamente el film y donde nos adentra en los motivos que le han llevado a formular la denuncia.

Zain es un niño de 12 años, lo acompañamos en su día a día en Beirut, en las peripecias que hace para sobrevivir. En su estado de necesidad se van sucediendo tramas donde aparecen ajenos a él las formas mas deleznables de maldad, hacer negocio con la miseria de los demás: abuso infantil y la mafia de inmigración..

¿Es una película dura, cruel y despiadada?  Pues si, no solo por lo que cuenta sino como lo cuenta: cámara en mano y rodada como si fuera un documental lo que se refleja en un realismo brutal.

Ademas de mostrar la función de presentarnos la realidad de los bajos fondos, nos presenta una tesis atrevida; si tú como padre, solo puedes sobrevivir en condiciones inhumanas , rodeado de miseria y ni tan siquiera tienes el dinero suficiente para pagar el certificado de nacimiento de tus hijos,

¿para que quieres tener hijos?

Es que no lo ves. ¿Para qué transmitir el ADN del sufrimiento que va a ser perpetuo?

¿Dónde esta vuestra conciencia?

La película ha creado controversia y tiene sus detractores los cuales la tildan de manipuladora emocionalmente para no llegar a ningún sitio. Además se ve ese enjuiciamiento como algo distópico e inverosímil lo que es incongruente con la dosis de realismo que muestra la cinta.

En mi opinión la directora se ha atrevido y ha sido valiente al hacer la conjetura sobre tener hijos en condiciones de insalubridad y poner la daga en los padres. Si bien sabemos que  los padres no querrán que sus hijos sufran su calvario, también hay que hacer hincapié en que aunque la tradición del país esta arraigado  tener familia numerosa. ¿Acaso no cambian las tradiciones? Hay que ahondar en la conciencia de los padres. En occidente ya la revisamos y hoy ya no hay tantas familias numerosas.

En fin, un montaje preciso y efectivo. Me gustó las escenas de disputa entre Zain y sus padres y la forma de narrar el final; con breves escenas te va contando, narrando, sin necesidad de diálogos explicativos.

Memorable la actuación del personaje de Zain (no es actor). Nadine Labaki hace un cameo, es la abogada de  Zain.

Sobre todo me quedo con la odisea del viaje de Zain, como sus buenas intenciones lo van deshumanizando ante las adversidades que encuentra  y al final de su lucha, sucumbe a lo incorrecto.

Crítica a "Nosotros" (Us)

Jordan Peele, ganador del Oscar a Mejor guión en 2017 gracias a su primera película "Déjame salir" ("Get out"), nos plantea en su nueva entrega, "Us", un thriller familiar alrededor del pasado de una madre.

Adelaide Wilson decide pasar unas vacaciones junto a su marido y dos hijos, en una casa rural, sitio idílico debido a los recuerdos de ésta. Cuando cae la noche, los componentes de la familia se dan cuenta de que están siendo vigilados por cuatro siluetas.

Próximamente, éstos irrumpen en la casa al más propio estilo "Funny games". Y es que, el film está repleto de referencias a películas que han marcado un antes y un después en el cine, como por ejemplo: Los pájaros (1963) de Alfred Hitchcock; El resplandor (1980) de Stanley Kubrick; Morir todavía (1991) de Kenneth Branagh; Funny games (1997) de Haneke; El sexto sentido (1999) de Shyamalan; Babadook (2014) de Jennifer Kent e It follows (2014) de David Robert Mitchell.

En cuanto el guión, al contrario de la mayoría de thrillers de Hollywood, tiene esa espontaneidad, improvisación, que pocas tienen, lo cual no quiere decir que lleguen a ser malas películas. Total, la originalidad, algo que se agradece. Al igual, los "gags" humorísticos están presentes con temas relacionados con el siglo XXI, por lo que llega a ser cercana con el espectador medio. Destacar algunos vacíos de guión, como el significado de los conejos. ¿Qué simbolizan amigo Jordan? Al contrario que It follows, se siente que se necesita una explicación de éstos.

Los cuatro componentes de la familia lo hacen de manera fascinante, destacando sobre los demás la madre: Lupita Nyong'o, ganadora del Oscar por su interpretación en 12 años de esclavitud (2013). A pesar del breve papel dado a Elizabeth Moss, hay una escena en la que sus dotes en el cine salen a relucir.

Y tanta negatividad, habrá que decir algo bueno, ¿no? La gran novedad... ¡el doppleganger! Vamos, los dobles. La familia "mala". Y es que es una de las primeras veces que se implementa esa técnica al séptimo arte, o mejor dicho, teoría. Hay libros como "El doble" de Fiódor Dostoyevski que se trata en profundidad el doppleganger.

En resumen, un film que no está a la altura de su primera: no será igualmente reconocida y destacada como decía antes de que saliese: que una película tenga tanta publicidad puede llegar a ser malo. Y si no, que se lo digan a Emoji (2017). El gran gran hándicap: el guión.

6/10

Crítica de "Un asunto de familia" (Shoplifters)

Hirokazu Koreeda nos presenta un drama en torno a una familia, ¿qué lazos son los que verdaderamente une a una familia?

Para ello va a eligir a una familia pobre de los bajos suburbios de Japón. Dota a cada personaje de un pasado personal cual más tétrico y conflictivo moralmente, haciendo que conforme se avance en la trama revisemos nuestro propio código moral; que es lo mismo que hace el personaje de Shato cuyo examen introspectivo producirá una decisión que producirá el desenlace de la película.

A la par de los diversos conflictos morales que nos plantea el director, aprovecha para hacer una denuncia social como es el caso de las políticas defectuosas a los mas necesitados o el problema de los "niños invisibles" que acucia el país, una critica mordaz enmascarada en este film.

Un acierto al presentar y describir sus personajes es que lo hace sin juzgarlos, nos adentramos y empezamos a conocer a  la familia, de la mano de Juri, el ultimo miembro en incorporarse a la familia y ya estamos atrapados; ya somos uno más de ellos, ya no hay cámaras ni luces ni micrófonos, el director sitúa la cámara de forma imperceptible, cada escena, cada encuadre,cada detalle lo hace de forma sencilla y sutil siempre en pro del desarrollo de la historia, sin grandes artilugios.

Un guión excepcional, un pulso narrativo inmejorable. Es sorprendente como se puede abordar la complejidad de la película desde la sencillez y no confundir sencillez con simplicidad: menos es más.

En las subtramas de los personajes el director pone a prueba  nuestras emociones y nuestra moral, que es lo que esta bien, que es lo que esta mal, que es lo justo, que es lo injusto.

La película termina éticamente de forma correcta pero nos deja un latigazo al alma; solo nosotros que hemos dormido, comido, hecho el amor en ese salón tan pequeño y tan acogedor sabemos las penurias y bondades de los personajes.

Hay muchas escenas que se quedan impregnadas en la retina, sin duda las mas emotivas son las de Juri y para ella reserva el final; sola en su balcón, jugando con el  frió, se logra percibir en su rostro un ligero atisbo de sorpresa: ha reconocido a alguien, ¿quizás a alguien de la familia que ella eligió?, o ¿quizás seas tú?. De esta forma tan esperanzadora pone fin porque la verdadera familia nunca abandona.

Película de obligado visionado y que encumbrar a su director no solo por ésta sino por sus demás películas; "de tal padre, tal hijo"  o "nadie sabe" como uno de los mejores directores de la actualidad.