David Fincher nace en Denver (Colorado, Estados Unidos) el 28 de agosto de 1962. En su adolescencia se traslada con su familia a Oregon, etapa donde comienza a rodar numerosos filmes caseros con una cámara de 8mm, influenciado por Butch Cassidy y el Sundance Kid. Su pasión le lleva a dirigirse a la compañía de George Lucas, Infustrial Light and Magic, siendo allí donde comienza a participar en algunas películas, como `La guerra de las Galaxias. El retorno del Jedi´ en 1983. En la década de los 80, Fincher participa en varios vídeos musicales. Rodó así el videoclip "We Don´t Have To Take Our Clothes Off" de Jermaine Stewart y varios trabajos de Madonna como "Oh Father" o "Vogue". En este apartado, Fincher se sentía con más libertad en cuanto a lo creativo. Su primer trabajo marcó lo que sería una gran tendencia posteriormente: un anuncio de tabaco en el que aparecía un feto fumando. Fue tan macabro que productores de Los Angeles se fijaron en él. Luego de semejante repertorio, David se lanzó a la gran pantalla con la productora 20th Century Fox y la polémica Alien 3.
Alien 3 - 1993
Tras las direcciones de Ridley Scott con "Alien, el octavo pasajero" y James Cameron "Aliens: El regreso", aparece un primerizo David Fincher en escena para dirigir "Alien 3". Considerada como la peor de la saga, encontramos en "Alien 3" una típica película de serie B de terror. Fincher tuvo tomar las riendas de un proyecto caótico, debido a la mala planificación de los productores. Desde que se sabía de existencia de un secuela de "Aliens: El regreso", fueron muchos los guionistas involucrados en esta tercera entrega. William Gibson, Vincent Ward o David Giles fueron algunos de los nombres que estuvieron acreditados como guionistas de la película. Finalmente fueron Hill, Giles y Ferguson quienes participaron en el guión final. Esta tercera entrega se encuentra a años luz de títulos posteriores de David Fincher. Debido a todo lo comentado, el mismo director no considera "Alien 3" como una película suya. Además, este primer film fue reeditado con "versión extendida", con una nula participación del director americano. A pesar de todo, Fincher dejó para la historia uno de los planos más característicos y peculiares de la saga "Alien".
Se7en - 1995
Llegamos a 1995 y su gran obra "Se7en". Por primera vez se le daba a David Fincher desde cero, donde el guión iba a ser escrito por Andrew Kevin Walker y protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman. Brad Pitt llegaba a "Se7en" tras hacer "12 monos" en el mismo año. Morgan Freeman por su parte protagonizaba la película tras el éxito rotundo de "Cadena perpetua" el año anterior. La pareja Somerset-Mills ha intentado ser copiada en infinidad de películas en los años siguientes. El tandem ha servido de gran influencia para series y películas, como es el caso de "True Detective". David Fincher quería demostrar cómo era Nueva York -a pesar de que en ningún momento de la película se nombra-. Las calles llenas de gente, habitantes ruidosos y una opresiva lluvia que nunca cesa. Quería demostrar una ciudad sucia, violenta, contaminada y a menudo deprimente. La música en el cine de David Fincher es vital. Conoce las imágenes correctas para relacionarlas con la música. Esta se adapta al periodo, se adapta a la acción y se adapta a la interioridad de los personajes. Cada vez se sienten más cómodos el uno con el otro por el tiempo que pasan cerca. El director relaciona música con lugares. Esto no es único, puesto que se repite varias veces en su filmografía.
El final es considerado como uno de los mejores de la historia. La aparición de Kevin Spacey en los últimos minutos del film, revelándose como John Doe, son totalmente inquietantes. Tras una hora y media jugando con la mente de Somerset y Mills se declara como el autor de las muertes de los siete pecados capitales. Pero no en su totalidad. Quedaban por realizar los asesinatos por envidia e ira. Es en un campo de cables de alta tensión donde se ubica la escena final, donde el juego macabro de John Doe llega a su fin. Una furgoneta de reparto abre la escena, con Somerset abriendo la caja y desatando la locura de Mills, matando a Doe. Lo que se encuentra dentro de esas cuatro paredes de cartón lo dejamos para vosotros. Este final aparece de manera exacta en el final de la primera temporada de "The Bridge". De manera única, y por pocas veces en la historia del cine, es el asesino quien termina ganando. Como mera curiosidad, Kevin Spacey se incorporó de última hora, haciendo que ni en los créditos iniciales -los cuales hablaremos de ellos más tarde- no apareciese.
The game - 1997
Nicholas Van Orton (Michael
Douglas) es un multimillonario capaz de tener cualquier cosa. El día
de su cumpleaños recibe la sorpresa de su hermano (Sean Penn), que
le regala una entrada para participar en un club de ocio.
El
comienzo es exquisito. La grabación de un vídeo con una cámara
super8 y la conclusión de éste con el suicidio de un hombre.
Representa de manera clara lo que nos va a suponer la cinta que
estamos a punto de presenciar: una angustia continua por un personaje
antipático y despreciable.
Lo
que al principio parece un entretenimiento continuo, se convierte en
una auténtica pesadilla a medida que pasa la película. Todas las
personas que pertenecen a su vida se truncan para adaptarse a ese
regalo, a esa empresa, [ya que todo está organizado por Conrad, su
hermano.]
Michael
Douglas hace uno de los papeles de su vida, adaptándose a todo lo
que se encontraba en su camino. Es
el alma de la película. Su continua confusión hace que nosotros,
los espectadores, seamos los auténticos protagonistas, dejándonos
sorprendidos escena tras escena.
Pongámonos
por un momento en la piel del espectador. Desde la primera vez que
interviene la corporación CRS –
empresa organizadora del juego – con el payaso, se genera un estado
de desconfianza y de estrés, palpable y perfectamente transmitida
por
esa
angustia de
Douglas. Los
continuos incidentes – o sucesos extraños – hacen que se cruce
constantemente una línea entre lo real e irreal mientras el juego
avanza.
La
banda sonora, a priori, es
lo que pasa más de desapercibido. Pero esta ayuda, en todo momento,
los momentos de tensión: crea una atmósfera claustrofóbica. Esos
acordes de piano serán recordados por pocos, pero siempre quedará
en la memoria los momentos de tensión de todas las personas que han
visto la película.
La
escena más destacable de la película es la comentada: la del
payaso, el comienzo del juego. [https://www.youtube.com/watch?v=z0ZnN4mivGw]
Cómo el presentador de TV se dirige a nuestro Nicholas para avisar
de la pesadilla a la que se va a enfrentar. Al ver esta escena me ha
venido a la cabeza la gran influencia que ha tenido esta película de
Fincher en películas como Saw. El protagonista se encuentra en una
habitación cerrada, donde le habla una persona a través de una
televisión y
un muñeco le proporciona la primera pista – o prueba -. En
blanco y en botella, James Wan – y en concreto Leigh Whannell –
le deben mucho a The Game, la película más infravalorada de David
Fincher.
El club de la lucha - 1999
El Club de la lucha marcó el éxito de David Fincher. La adaptación
del libro de Chuck Palahniuk a manos de Edward Norton y Brad Pitt –
principales actores de la película – hizo que esta película quede
para el recuerdo de muchos como la representación perfecta de una
época. “Jack” - apodo dado, ya que en ningún momento de la
película se dice su nombre - vive en una monótona vida luchando
contra el insomnio. En un viaje de avión cnnoce a Tyler Durden, un
vendedor de jabón, con quien posteriormente crearía el Club de la
lucha.
David Fincher tomó las riendas de un
proyecto de Fox – tras Alien 3 y su polémica producción- con uno
de los mejores repartos para la época. Brad Pitt – tras el éxito
en Thelma & Louise- se enfrentaba al papel ni más ni menos que
del alter ego de Edward Norton.
Tyler Durden se lleva todo el
reconocimiento de toda la película. No nos podemos engañar de que
es uno de los personajes más extravagantes de Brad Pitt. La
filosofía de Tyler es lo que marca la película La felicidad no se
adquiere comprando cosas, sino librándote de ellas y llegar a tocar
fondo. Esto aparece con la “casa” de Tyler – donde se
desarrolla el proyecto Mayhem – y en millones de frases que todos
ya conocemos. Esto es el por qué se crea el Club de la lucha. A
través del dolor, de la casi muerte, tratar de valorar la vida y
encontrar un sentido a esta. De modo resumido, nihilismo en estado
puro. “Unicamente cuando perdemos todo somos libres para actuar”.
La creación de un Übermensch.
Con la creación del Proyecto Mayhem
todo se vuelve más anarquista, dejando de aparecer Tyler Durden,
para representarnos, y darnos a entender por primera vez, que todo
está en la mente de ese personaje cuyo nombre no sabemos. Todo se va
de las manos con la desaparición de Tyler, y la gran expansión de
lo que a priori era el Club de la lucha. La conclusión de la
película es el fin del capitalismo. El fin de edificios
pertenecientes al banco, dando por entendido que esa persona que era
al principio es “comida” - por decirlo de alguna manera- por un
personaje puramente anarquista y anticapitalista.
La habitación del pánico - 2002
Carece de impacto y dramatismo como es el caso de Se7en; carga moral
y filosófica y de ética como es el Club de la lucha; o la
representación de la sociedad a partir de un elemento como es Red
social; ni una figura psicopáticacomo Se7en o Zodiac. La película
es asfixiante, directa, pero sobre todo simple. Podríamos pensar que
se trató de hacer un nuevo Se7en, pero no tenía las mismas
circunstancias, ni personajes a desarrollar que el film del 95. Junto
con Alien 3, se coloca a la cola de sus diez películas.
Se nos presenta a
Meg Altman y su hija Sarah como unas personas adineradas. Esta
primera compra una lujosa casa en Manhattan tras divorciarse de un
importante médico. No pasa más de media hora cuando toda la acción
se nos presenta. La noche de la mudanza, tres intrusos entran en casa
cuyo objetivo da nombre a la película: entrar a La habitación del
pánico. A partir de este momento, se comenzará a hacer giros de
guion – algunos bastante logrados- y nuevos elementos, que harán
amena la visualización del filme.
Una de las escenas a
destacar de esta película es la irrupción de Burham, Raoul y Junior
en la casa. Es la perfección hecha plano secuencia. Desde el punto
de partida de la cama de Meg hacia las escaleras. Descenso hasta la
puerta. Entrada en la cerradura de esta. El salón de un lado a otro.
Ascenso de un piso atravesando el techo. Subida hasta la claraboya.
David Fincher nos presenta en estos dos minutos y cuarenta y cinco
segundo dónde se va a llevar a cabo la películas. Nos está
diciendo dónde van a ocurrir los principales acontecimientos de la
película. Termina este plano con el objetivo de la película: entrar
en la habitación del pánico.
Zodiac - 2007
Critica la investigación policial de una de las maneras más
directas. La dejadez que hay en algunos asuntos policiales acerca de
asesinatos es más que notable. David Fincher elige uno de los más
crudos, ya que a día de hoy tras cincuenta años, no se sabe nada
acerca del asesino del Zodiaco. La película es una representación
del desconocimiento e ignorancia de una época.
Nos encontramos ante temporalidad invertida. la condición de Benjamin le hace ser consciente de la muerte desde muy temprana edad y de ese modo vive más intensamente. Esta idea muestra que el tiempo se puede recuperar.
James Vanderbilt adaptaba a la gran pantalla el libro de Robert
Graysmith “Zodiac”. Cuenta la investigación que realizó
Graysmith, un periodista, con el llamado asesino del Zodiaco, un
asesino en serie que estuvo activo en EEUU en las décadas de los 70
y 80. Vanderbilt llegaba a crear uno de los guiones que le
propulsaron a hacer grandes obras, como es el caso de “The Amazing
Spider-Man” y su secuela, “The Amazing Spider-Man 2: Rise of
Electro”. Cabe destacar el gran trabajo que hizo Fincher,
Vanderbilt y los productores recogiendo información acerca de este
tenebroso caso, ya que a día de hoy no se sabe quién es ese asesino
del Zodiaco.
Zodiac representa la locura de una mayor manera que Se7en. Sí. A
pesar de que Brad Pitt se vuelve totalmente loco, desesperado,
abatido y comido por una total rabia hacia John Doe, en este film
Jake Gyllenhaal representa todo lo anterior pero multiplicado por
diez. Aparte de esas escenas totalmente macabras llevadas a cabo por
nuestro asesino, la otra parte es la gran investigación de este,
Graysmith. Porque no es una simple película de tratar quién es el
asesino, es la forma en que Fincher y
Vanderbilt te hacen ser uno más, un periodista que está al lado de
Robert Downey y Gyllenhaal. El guión es especial en sí. Toda la
película nuestros protagonistas te están dejando información de
manera continua, dándonos saltos de alegría cada vez que estos se
acercan a lo que a priori parecer ser el asesino.
El cine de este hombre es de lo mejorcito, pero hay que valorar su
gran dirección. Como he hecho anteriormente, con la Habitación del
pánico y The Game, vamos a destacar una de las escenas más
tenebrosas e inquietantes que he visto en toda su filmografía y en
el cine. Es la visita de nuestro Graysmith a la casa uno de los
hombres con los que Zodiac – la persona que cree que es- había
trabajado anteriormente. La escena comienza de una manera normal, sin
nada que resaltar. El encuadre de la cámara es casi perfecto para
contar lo que va a ocurrir en los próximos minutos. Nuestro
protagonista se encuentra sentado, mientras que la otra persona está
de pie, delante de él. Representa de esta manera Fincher, la
desventaja en la que se encuentra. Todo se rompe cuando el hombre
dice que le puede enseñar algunas de sus obras que se encuentran el
sótano. A partir de aquí Graysmith comienza a dudar del hombre. Una
serie de planos - como el de antes de bajar la escalera- representan
la soledad en la que se encuentra en ese momento, solo ante alguien
totalmente desconocido que no sabe lo que puede hacerle. Cuando ambos
bajan, la luz tenue nos pone en tensión. Se escucha un pequeño
ruido en la casa pero nuestro protagonista “confirma” que no hay
nadie preguntándole. Pero un segundo ruido hace que Graysmith corra
las escaleras arriba para escapar de esa casa.
La historia de Zodiac ha sido llevada al mundo audiovisual a través
de películas y documentales. Tom Hanson hizo un largometraje algo
más corto que Fincher en 1971; el inglés Jonathan Wright rodó
“Despertando a Zodiac” ; y un documental titulado con la frase
del propio asesino: “This is Zodiac”. Esta se lleva el gato al agua como la mejor.
El curioso caso de Benjamin Button - 2008
Dejamos atrás una de las cintas más largas de Fincher para
adentrarnos en el reencuentro Pitt-Fincher. Scott Fitzgerald escribía
en 1922 la historia de un – curioso- hombre. Benjamin Button nace
siendo viejo y muere siendo un bebé. ¿Así de simple? No amigos.
Fitzgerald relata la extraña vida de Button, porque a pesar de que
la vida de un ser humano es totalmente irrelevante en la historia,
hay momentos que son significantes para las personas.
Nos encontramos ante temporalidad invertida. la condición de Benjamin le hace ser consciente de la muerte desde muy temprana edad y de ese modo vive más intensamente. Esta idea muestra que el tiempo se puede recuperar.
La primera opción para dirigir el film
Frank Oz, con un Martin Short actuando como Benjamin, pero Oz rechazó
porque no sabía como hacer la historia. En 1991, se barajaron las
opciones de Steven Spielberg, con Tom Cruise de actor principal, pero
Spielberg dejó el proyecto para dirigir sus obras La lista de
Schindler y Jurassic Park. En 1998, se optó por Ron Howard como
director y John Travolta como actor principal. Durante más de seis
años hubo muchas negociaciones entre Spike Jonze, Charlie Kaufman,
Gary Ross y el fotógrafo Eric Roth, pero finalmente en 2004 David
Fincher entró en negociones, asumiendo el rol de director en El
curioso caso de Benjamin Button.
El curioso caso de Benjamin Button es realmente un disfraz. Se cubre
totalmente lo que realmente quiere presentar el director: el romance
entre Benjamin Button y Daisy Fuller. Desde el primer momento de esa
escena debajo de la mesa entre ambos, se nota una química entre
ambos. La ilusión de Fuller y la “veteranía” de Button harán
imposible la relación entre ellos. Fuller sigue su trascurso de la
vida, pero nuestro Brad Pitt se enfrenta a una vida totalmente del
revés. Quitadme cualquier película romántica y dejadme la última
hora de la película. ¿No es realmente bonito que esa compleja vida
que tiene Button quede unificada por poco tiempo con la de Fuller por
un tiempo exacto? Quiero decir, no había otra opción en la vida de
estos a la hora de disfrutar su amor – por la “diferencia” de
edad- , por lo que se “coincidieron” en el camino: ambos se
dirigen a la muerte, pero de diferentes maneras.
La red social - 2010
La representación del fenómeno Facebook y su gran influencia la
llevo David Fincher en 2010 a las grandes pantallas. La película,
más que contarnos cómo se creó Facebook, nos adentra en el mundo
de Mark Zuckenger. aron Sorkin nos narra perfectamente la vida de
este, cómo se creó Facebook y su desarrollo en el tiempo.
Jesse Eisenberg se comia así a Zuckenberg y su mundo. Jesse tenía
la oportunidad de ser el protagonista de un film por segunda vez.
Destaquemos así películas como El bosque de Shyamalan o la comedia
conocida Bienvenidos a Zombieland. El título creado por Fincher hizo
que nuestro Zuckenberg participase en multitud de films
posteriormente con bastante reconocimiento. Ahora me ves o haciendo
el papel de Lex Luthor en La liga de la justicia son algunos de los
papeles más destacables.
No hay que quitar las raíces y el por qué se crea Facebook.
Zuckenberg, junto con su compañero de piso. Crean TheFacebook, lo
que a priori es una página para ligar. Fincher eligió uno de los
mejores años de la industria para lanzar este film, y es que esta
página se encontraba en pleno auge.
La película en sí es un biopic. Detrás del gran éxito conseguido
con Facebook, todo no va a ser alegrías. Como el propio eslogan
dice: No tienes 500 amigos sin tener unos pocos enemigos. A lo largo
de su trayectoria. Mark se tuvo que enfrentar a diversas personas que
lo único que intentaron era tirarle, bajarle de esa burbuja. No hay
que pasar por alto el hecho de que con la creación de Facebook se
convirtió en el multimillonario más joven de la historia. Al
conseguir esto todo lo que está a muestro alrededor se transforma,
ya que no están acostumbrados a ver así.
Llegamos así a su última entrega a esperas de Mank (2020). La
guionista – y autora de la novela Gone girl – Gillian Flynn nos
adentra en un thriller más en la filmografía de Fincher. La
escritora estadounidense nos envuelve en la misteriosa desaparición
de Amy, mujer de Nick Dunne, que se verá totalmente involucrado por
el juego de su mujer.
La búsqueda de la mujer comienza desde un primer momento que se
sabe. Por tierra, mar y aire. Son Boney y Gilpin quienes primero
llegan a la escena, al salón, donde se encuentra la “única”
prueba. Son los policias los que harán de este film un auténtico
thriller. La escasez de información y algunas de las pistas
obtenidas, ponen a Nick Dunne como el sospechoso de la muerte de su
mujer. Es entonces cuando a partir de este momento, todo se vuelve en
contra de él.
Una de los grandes aspectos a destacar es la actuación de Ben
Affleck. La dejadez y la falta de información es representada de
manera perfecta a través de su personaje. Sin pasar por alto el de
Amy Elliott Dune , su mejor papel hasta la fecha. El juego malévolo,
retorcido y asfixiante se lo debemos a ella. Hasta el momento, sus
mejores papeles, llevamos a la perfección absoluta.
Dos horas y media llenas de verdades, mentiras, ilusiones rotas, y
obsesiones llenos de ritmo. Perdida nos da una lección, y es que no
debemos hacer prejuicios; “no es oro todo lo que reluce”.
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